Finlandia, vetrina internazionale per l’artista siciliano Giuseppe Colombo

Il siciliano Giuseppe Colombo sarà protagonista di due mostre in Finlandia. La prima, una bipersonale alla Galleria Duetto di Helsinki con l’artista  finlandese  Kuutti Lavonen (Tous les matins du monde, dal 29 settembre al 24 ottobre. La seconda, insieme al gruppo di artisti che ruota intorno alla stamperia litografica Helsinki-Litho, allestita nella Artist Home Erkkola di Tuusula, nella Finlandia meridionale (Hauras aika, väkevä aika, trad. “Tempo fragile, tempo forte”) dal 29 settembre al 31 ottobre. Entrambe le mostre hanno ricevuto il patrocinio dell’Istituto italiano di Cultura di Helsinki.

Giuseppe Colombo (Modica, 1971), formatosi nell’Accademia di Belle Arti di Roma, entrato a far parte del Gruppo di Scicli con Piero Guccione sul finire degli anni Novanta, alterna nella sua produzione pittorica paesaggi, nature morte, nudi e ritratti.

Alla Galleria Duetto Colombo esporrà insieme all’artista Kuutti Lavonen, con cui vanta una lunga amicizia e collaborazione. In mostra studi e d’apres, sul Barocco europeo.

La mostra allestita Artist Home Erkkola proporrà, oltre all’opera di Giuseppe Colombo, grafiche, dipinti, disegni e installazioni degli artisti finlandesi Matti Hintikka, Kuutti Lavonen, Kaisu Sirviö, Elina Länsman, della lituana Roma Auskalnyte. Tema conduttore dei lavori sarà la riflessione sulla sensibilità umana e sul potere. L’artista siciliano, in particolare, esporrà un’opera a pastello dal titolo “Dalla decollazione di san Giovanni di Caravaggio”. L’opera raffigura una giovane che porta un bacile su cui raccoglierà la testa del Battista, ispirata al celebre dipinto caravaggesco conservato nella Cattedrale di San Giovanni a La Valletta (Malta).

Dall’Opera, presso la stamperia Helsinki-Litho, verrà realizzata un’esclusiva litografia per Lo Magno artecontemporanea di Modica, di cui Colombo è uno dei principali artisti.

«La Helsinki-Litho – spiega Giuseppe Lo Magno, direttore della galleria modicana – è una delle stamperie litografiche più prestigiose d’Europa, dove le stampe sono realizzate ancora su pietra. Da qui il pregio dell’opera, prodotta in esclusiva per la nostra galleria in edizione limitatissima di appena trenta esemplari, più le prove d’artista. Siamo orgogliosi di instaurare, tramite un nostro affermato artista, una collaborazione internazionale così importante». La cartella contenente la litografia (diametro di 40 cm, su foglio quadrato di 50 x 50 cm) sarà presentata prossimamente nella galleria nell’ambito di un evento ad hoc.

Giuseppe Colombo non è nuovo a importanti collaborazioni con gli ambienti artistici finlandesi. Fin dal 2011, infatti, è stato invitato come unico artista straniero a esporre al Verla Mill Museum di Jaala a Helsinki. A seguito della mostra, il suo sodalizio con la stamperia litografica Helsinki-Litho di Matti Hintikka, Kuutti Lavonen, si è rafforzato. Tanto che nel 2017 è stato invitato a esporre alla collettiva “Confinus, confini e aperture”, presso la Artist Home Erkkola.

Il covid-19 ha colpito tutti noi, ridisegnando la nostra quotidianità in pochissimo tempo.
E’ proprio a causa (o grazie) di questa situazione che l’assunto del principe Miškin ne “L’idiota” di Dostoevskij ha riecheggiato nei cuori e nella mente di molti.
“La bellezza salverà il mondo”.
Una frase ripetuta così tante volte da privarla del suo significato.
Ma qual è l’indicazione che vuole darci il “genio crudele” di Dostoevskij?
Vorremmo interpretare l’affermazione di Miškin nel modo che più ci appare immediato e che ci colpisce.
La bellezza intesa come legame indissolubile, inafferrabile tra l’uomo e il Bene. La bellezza interpretata come quella straordinaria forza in grado di dare un senso armonico al caos della realtà.
Seguendo le orme dei grandi Musei nazionali ed internazionali, ci siamo proposti di creare una mostra che sia visitabile online, nella comodità di casa propria.
“Showcase Exhibition” è una collettiva di artisti che vuole proporre la diversità come mezzo di unione e che ha la bellezza come forza ordinatrice e punto comune a tutti.
“Presta le tue orecchie alla musica, apri i tuoi occhi alla pittura, e…smetti di pensare”.
Ispirati dalla frase del precursore e fondatore della pittura astratta Vasilij Vasil’eviĉ Kandinskij, i quindici artisti coinvolti esporranno fino a un massimo di due opere ciascuno che potranno essere viste tramite il nostro sito internet www.lomagnoartecontemporanea.it grazie alla realizzazione di una mostra virtuale accompagnata dall’ “Overture 1812” di Pëtr Il’ič Čajkovskij suonata da alcuni membri dell’orchestra WS2020 ( Direzione Mo. Luigi Mariani; Violini Mo. Teresa Lombardo, Aurora Rizza; Viola Mo. Nadia Tidona; Violoncello Mo. Jasha Parisi; Oboe Mo. Luciana Danieli; Flauto traverso Mo. Chiara Scucces; Flicorno Soprano Mo. Pietro Giunta – editing e mastering musica Salvo Scucces) che hanno registrato ed editato ognuno nelle loro case e con i loro cellulari durante il periodo del lock down.

Sarà possibile prenotare una visita tramite il nostro sito internet www.lomagnoartecontemporanea.it e/o tramite un messaggio whatsapp a questo numero: 339 6176251

“White Sheets” – Emanuele Giuffrida

“Ricordo da bambino, che nei giornali e telegiornali locali della mia città, vedere immagini di sagome distese per terra coperte da un lenzuolo bianco era abbastanza frequente; quasi all’ordine del giorno. Persino attraverso il finestrino della fiat 500 di mio papà, la sera, di ritorno a casa, assistetti a una scena simile; e non solo una volta! Tant’è che a scuola elementare, illustrando un dettato della maestra sull’argomento mafia, disegnai due figure in moto col casco che sparavano ad un uomo già avvolto in un lenzuolo fluttuante”.

L’aneddoto raccontato dall’artista è fondamentale per capire la recente ricerca artistica di Emanuele Giuffrida (Gela 1982), e come, il più immediato gesto di rispetto a tutela del cadavere, preservandolo da ogni rischio di spettacolarizzazione, venga rielaborato e ingenuamente “frainteso” nell’immaginario di un bambino. Il lenzuolo nasconde, crea mistero e incuriosisce! Diviene dunque (e con quella frequenza) un’ossessione.

“White Sheets”(lenzuoli bianchi) è il titolo di un progetto artistico di natura introspettiva. Presenta (almeno in parte) la rielaborazione di quelle esperienze infantili vissute dall’artista, e come queste, impressesi nella sua memoria, abbiano trovato una bizzarra analogia con le esperienze museali fatte successivamente in età adulta, legate soprattutto ai linguaggi classici della pittura e della scultura. Come se l’esperienza del “bello” avesse in qualche modo sollecitato i ricordi di quel “brutto” sommerso, nel tentativo di riconsiderarlo. La serie “Neoclassical dead” ad esempio, gioca di analogie e contrasti tra il contenuto e la forma dell’opera stessa. La crudeltà del soggetto viene narrata attraverso un linguaggio pittorico che ricorda quelle tavolette dell’800, e racchiusa in una cornice di matrice classica. Il panneggio bianco allude al paragone con le pieghe dei panneggi delle vestigia delle statue greco-romane; restituendone prepotentemente un valore estetico, come fosse un’opera di rivalsa. Questa attenzione alle pieghe si palesa anche nel seriale “Neoclassical dead sequence”, dove l’artista disegna la stessa immagine più e più volte con ossessiva perizia del chiaroscuro diversificandone le geometrie, ottenendone diversi frame che scandiscono il fluttuare del lenzuolo che ricopre la vittima.

Le sagome dei lenzuoli bianchi appaiono anche all’interno della sala biliardo(il tema più ricorrente e conosciuto nella serie degli interni affrontata dall’artista nel corso della sua pur giovane carriera). Essi appaiono come fantasmi ricorrenti di un luogo simbolico, che l’artista stesso ha frequentato nell’adolescenza e che fu tragico scenario della faida locale dell’epoca.

Lo Magno Arte Contemporanea per la 44ma edizione di ArteFiera Bologna 2020 stand C/25 padiglione 15 ha presentato:

“HIVE” – Andrea Cerruto

“La mia ricerca ruota intorno alla praticità del disegno e della pittura (pur utilizzando vari mezzi, dalle piccole sculture alla fotografia) e come riflessione al lento processo di costruzione/stratificazione dell’opera. Il concepimento della stessa credo che obbedisca a delle regole legate alla mia memoria, alla mia storia personale, al mio immaginario e dunque tutto potrebbe sottrarsi alla funzionalità dove non è necessaria una narrativa e dove è difficile prevederne gli sviluppi”

Il progetto Hive vede la pittura al centro, un mezzo attraverso cui osservare il paesaggio anche il più infinitamente piccolo e nei dettagli più sfuggevoli.

Il progetto ruota intorno al concetto di alveare, inteso come spazio/osservatorio, stazione ferma da cui scrutare la mutevolezza del paesaggio in una visione filtrata così come avviene nell’occhio del pittore.

L’alveare come casa/tempio in cui si concentra il lavoro della creazione, che non può prescindere dall’ambiente e dalle essenze del luogo. Le mani dell’apicoltore ferme in alcuni gesti che si fanno rituali come in “Con cura” o “Con la cura di sempre”, proteggono l’arnia e non svelano il frutto del telaio.

Alla scansione del tempo e del lavoro e alla lentezza dello stesso, fanno riferimento le opere “Festina Lente”, “Qui e ora” e “This fire of Autumn”. Infine, nelle opere “Hive” e “Prima apparizione” ritorna il concetto di visione filtrata, in uno spazio dove si registrano colori apparsi in altri dipinti. Chiude il progetto l’opera “Fuori Campo (Canto d’amore)” che appare avulsa dal contesto, come sottratta al resto delle opere e allude a certe tecniche cinematografiche e a tutto ciò che non viene mostrato nell’inquadratura che può creare spunti e altri immaginari allo spettatore.